Svend Wiig Hansen en ARoS: caminar, caer, estar de pie

Al entrar en el nivel 5 de ARoS, lo primero que encuentras es una gran escultura de una mujer. Está sentada con las piernas abiertas y las manos fuertes apoyadas en el pecho. Se llama Madre Tierra, y en una ocasión fue tan provocativa que un alcalde de Aarhus la hizo llevarse en la parte trasera de un coche Falck.

Era 1954. Ella estaba en la plaza del ayuntamiento de Aarhus y al alcalde Unmack Larsen no le caía bien. Al día siguiente, todos los periódicos daneses publicaron la noticia en primera plana, y Svend Wiig Hansen se convirtió de repente en un artista conocido por todos.

Ahora se sienta aquí y te da la bienvenida, como la primera obra de Walking, Falling, Standing de Svend Wiig Hansen. Una gran exposición especial en ARoS, que reúne 50 años de trabajo de uno de los artistas daneses de posguerra más importantes. No comprendes del todo la indignación cuando te paras frente a ella. Parece casi compasiva. Como una mujer que lleva el mundo entero en su cuerpo. Es la primera de muchas experiencias que encontrarás al recorrer la exposición.

La historia de los hijos sobre su padre

La exposición está estructurada en capítulos en lugar de cronológicamente: Escándalo y éxito, El hombre primero, Impulso creativo y Luz y sombras. De hecho, cobra sentido al recorrer las obras. Porque el trabajo de Wiig Hansen no avanza en línea recta. Te envuelve y vuelve a plantearte las mismas preguntas sobre qué significa ser humano.

Sus dos hijos, Nicolaj y Christian, nos acompañan en la visita guiada a la exposición para la prensa. Durante el recorrido, comparten anécdotas. Su padre no tenía ayudante y él mismo subía toda la arcilla hasta el tercer piso. Cantaba en el estudio mientras trabajaba, porque le encantaba cantar. Tenía una casa de verano cerca de Skagen, junto al Mar del Norte, y disfrutaba del frío y el viento. Es un privilegio tenerlos con él, porque hacen que su padre sea una persona, y no solo un nombre en una pared.

La pequeña habitación con la batalla, 1963

En una de las primeras salas, tres cuadros cuelgan uno junto al otro. Dos de ellos están cubiertos por capas y capas de pintura oscura. Gruesa, densa y casi escultórica. Es como si Svend Wiig Hansen hubiera pintado el mismo cuadro una y otra vez, hasta que las ideas se han asentado como un denso sedimento sobre el lienzo. No se puede ver lo que hay debajo. Está enterrado entre las múltiples capas.

El tercer cuadro es diferente. Se trata de Kampen, de 1963. No está pintado con las mismas capas gruesas. El lienzo parece transparentarse en varios puntos, y las figuras están dibujadas con una pincelada casi infantil. Recuerda a cómo dibujan los niños. Líneas amplias y colores brillantes. Aquí no hay duda de qué es qué.
Hay algo en ese contraste que perdura. Dos cuadros sepultados bajo las capas de oscuridad de la adultez. Y uno que nos recuerda cómo era el mundo antes de que perdiéramos la fe en que estuviera completo.

Juntos, pero solos

Muchas de sus obras son sombrías, y eso no es casualidad. Wiig Hansen pintó después de la Segunda Guerra Mundial y formó parte de la generación que presenció la crueldad del ser humano. Pintó el miedo, la división y la guerra. Pero no es deprimente, al contrario, porque posee una veracidad particular. Creemos estar solos en nuestra soledad y que solo nosotros nos sentimos así. Pero sus pinturas transmiten un mensaje diferente. Y no eres el único.

También hay obras donde aparecen personas juntas. La Puerta del Amor es una de ellas. En ella, las figuras tienen contacto físico, se tocan. Ese es el lenguaje del amor de Wiig Hansen, y es muy físico. Donde otros artistas pintarían miradas y anhelos, él pinta piel contra piel.

Una de las obras más impactantes en este contexto es Menneskerridt, de 1959. Figuras rojas de pie, sujetando hilos con las manos. Otras, vestidas de verde, gatean a cuatro patas o yacen tendidas en el suelo. Los hilos las unen como en un teatro de marionetas. No representa el amor ni la comunidad. Es una imagen de dominación y sumisión.

Es un contraste extraño con las obras de amor. Mientras que los demás personajes se encuentran mediante el contacto físico, estas personas están unidas por una correa, como un animal al que llevan. Es como si dijera que hemos pasado de la comunidad a otra cosa. De la comunidad al capitalismo.

18 caras y te ves a ti mismo

Entras en la siguiente sala, «Primero lo humano», y te encuentras frente a 18 retratos. 18 rostros uno al lado del otro. Todos pintados en la misma época. Coloridos, expresivos y cada uno con su propia personalidad.

Piensas: ¿en qué se diferencian? Son 18 personas. Pero luego te das cuenta, al cabo de un instante, de que ¿acaso son diferentes? Ves a la misma persona y te ves a ti mismo.

Estamos convencidos de que todos somos únicos, cada uno de nosotros. Pero, ¿acaso no somos fundamentalmente iguales? Lo que nos hace sentir solos es quizás precisamente esa creencia: que nadie puede comprender lo que llevamos dentro, que nuestras experiencias son tan especiales que no se pueden compartir. Pero aquí hay dieciocho rostros colgados, y todos somos nosotros. En el fondo, somos iguales.

Aquí también es donde sientes cómo las obras te reflejan. Si te encuentras en un momento oscuro de tu vida, ves lo distópico. Ves los demonios, la ansiedad, la soledad existencial. Si te encuentras en un buen momento, ves la fuerza vital. Ves la energía, y hay mucha. Es la misma pared. Eres tú quien se mueve.

Impulso creativo

Sigues adelante y entonces todo se abre.

Estás en una gran sala donde todo está reunido. La sala se llama Skabertrang, y eso es precisamente lo que te encuentras: una persona que no podía quedarse quieta.
En una de las paredes cuelga Vagabundeando sin rumbo, de 1978. Un cuadro al óleo sobre madera que ocupa toda la pared. Figuras vagan en una línea interminable, una tras otra. Algunas están en primer plano, otras al fondo, pero ninguna se mira a los ojos. Miran más allá de los demás, como si estuvieran en su propia dimensión.

En otra pared se aprecian los preparativos para los mosaicos de vidrieras de la iglesia de Kastrup. Grandes figuras humanas desnudas, pintadas sobre plástico con líneas azules y marrón rojizas, están dispuestas como ventanas.

Aquí también encontrará una versión en yeso de La Puerta del Amor de 1987, el relieve de Wiig Hansen para el Teatro Real.

Y luego están los 5 maniquíes sin rostro, vestidos con los trajes de Troilo y Crésida en el Teatro Real Danés en 1968. Es Shakespeare, es Wiig Hansen, y es un artista que también sabía dibujar a una persona con esa ropa.

En una tercera pared cuelgan 45 dibujos, colocados cerca de la pared en marcos de madera.

ARoS ha optado por abrir la arquitectura, permitiendo que cada obra individual se abra paso entre el aire. Son piezas únicas, pero a la vez integradas. Las grandes impresiones requieren grandes espacios. Este espacio es difícil de describir con palabras. Hay que entrar y experimentarlo uno mismo.

Al situarse en este espacio, se empieza a percibir el patrón. Las obras de Wiig Hansen están repletas de gente, pero la gente está sola. Incluso cuando aparecen varias en una misma imagen, parecen mirarse sin mirarse entre sí.

Un artista multidisciplinario

Siento un enorme respeto por los artistas que se entregan por completo a todo lo que hacen. Wiig Hansen fue escultor y pintor. Fue dibujante y artista gráfico, y también realizó películas y diseños escénicos. Dedicó diez años a crear las vidrieras de la iglesia de Kastrup. En 1987 creó la Puerta del Amor, que hasta el día de hoy sirve como entrada para el personal del Teatro Real Danés. En una ocasión, durante las vacaciones de Semana Santa, decidió hacer mil dibujos. Llegó a los 500 antes de que su cuerpo le dijera basta.

Gente en todas partes

La iglesia de Kastrup es una historia que me ha marcado. Wiig Hansen dedicó diez años a decorarla por completo: el retablo, los mosaicos de vidrieras, las paredes y el techo. Y no hay ni rastro de Jesús en la cruz. Hay gente común y corriente por todas partes.

Él creía que la iglesia se centraba en ellos. Eran quienes necesitaban un lugar desde donde mirar hacia afuera. Como las esposas de los pescadores que miraban al mar y esperaban el regreso de sus maridos. En esta exposición se pueden apreciar los preparativos para las vidrieras. Es hermoso, es diferente y revela algo sobre un artista que reflexionaba profundamente sobre las personas en todo lo que hacía.

Los autorretratos que se atrevió a hacer

La exposición concluye con los autorretratos. Cuelga de una pared roja: dieciséis pequeñas imágenes en blanco y negro, todas con su propio rostro. Se trata de «El retrato insoportable», una serie de grabados en linóleo sobre papel realizada entre 1972 y 1976. Algunos rostros son grotescos, otros están distorsionados y otros simplemente muestran cansancio. Realizó autorretratos a lo largo de su vida, y esta sala demuestra hasta dónde estaba dispuesto a llegar.

Esa es la clave. Si tú o yo nos hiciéramos un autorretrato, querríamos que se nos viera desde nuestro mejor ángulo. Elegiríamos un buen ángulo, nos recogeríamos el pelo, sonreiríamos un poco. Wiig Hansen hace lo contrario. Graba en el linóleo lo que queremos ocultar: miedo, agresión, duda y tristeza. Aquello de lo que, como humanos, no queremos responsabilizarnos. Lo que negamos.

Lo imprime en papel y lo cuelga para que nos veamos obligados a mirarlo. La sociedad de entonces no podía hablar de ello. La gente no verbalizaba la ansiedad, la vulnerabilidad ni lo que no funcionaba. Hoy en día, poco a poco, nos estamos abriendo más a estas cuestiones. Y precisamente por eso, sus obras son más relevantes que nunca.

Se atrevió a decirlo en voz alta antes de que el resto de nosotros supiéramos cómo expresarlo. Y luego hay una oferta para todos los visitantes. Junto a los retratos hay una mesa con lápices y un espejo, para que cada quien pueda hacerse su propio autorretrato. Pueden colgarlo en la pared o llevárselo a casa.

Tras contemplar sus dieciséis rostros, donde muestra lo que no oculta, tendrás la oportunidad de hacer lo mismo. ¿Cómo te ves a ti mismo? No la versión idealizada, sino la honesta.

La naturaleza está debajo de todo.

Aunque la exposición gira en torno a las personas, la naturaleza es su esencia. Los hijos hablan de la casa de verano en Skagen y de Råbjerg Mile, del viento, la lluvia y el paisaje agreste del Mar del Norte, que lo acompañaba en su estudio. Una vez que lo ves, es imposible ignorarlo.

Hay algo curtido por el tiempo en sus obras. Algo ventoso, con arena, tormenta y costa agreste. Las personas en sus pinturas no solo luchan entre sí, sino también contra el clima que las rodea.

Y luego está el humor.

Wiig Hansen tenía sentido del humor. Era el alma de la fiesta en la compañía. Podía hacer cosas extravagantes y hacer reír a la gente. También era tímido y nervioso, luchaba contra sus propios demonios internos, pero eso no le impedía divertirse. Era ambas cosas a la vez.

Busca el humor en las obras cuando estés allí. En una figura ligeramente torcida. En una expresión facial más caprichosa que fiera. No se limita a la oscuridad. Tampoco se limita a la luz. Se encuentra en la persona en su totalidad.

Børge Mogensen en los muebles para sentarse

Alrededor de la exposición se encuentran las sillas J39 de Børge Mogensen. Mogensen y Wiig Hansen eran amigos. Formaron parte de la misma red creativa en los años 50 y 60, donde diseñadores de muebles y artistas se relacionaban independientemente de sus profesiones. Los fabricantes de muebles vendían arte en sus tiendas y los artistas fabricaban estructuras para los muebles.
Son este tipo de intersecciones las que enriquecen una exposición. Puedes sentarte en una silla folclórica mientras contemplas un cuadro de gran formato, y sientes que ambas obras forman un conjunto armonioso.

Cuando te vayas de allí

Salí de la exposición con ganas de volver. Quizás ese sea el mayor efecto que una exposición puede tener. Me fui con imágenes grabadas en la retina que no lograba borrar del todo. Un ser que vagaba sin rumbo por una pared azul. Una figura roja de pie y otra verde tumbada, con una cuerda entre ellas.

Y me fui con la sensación de haber pasado una hora con una persona a la que nunca antes había conocido. Una persona que falleció en 1997, pero que aún tenía algo que decirme aquí, en 2026.

Información práctica

• Exposición: Svend Wiig Hansen, caminar, caer, estar de pie
• Dónde: Museo de Arte ARoS Aarhus, nivel 5
• Cuándo: Del 23 de mayo de 2026 al 30 de agosto de 2026
• Precio: Gratis con el pase anual, de lo contrario, con entrada de pago.
• Curadora: Jannie Haagemann
• ARoS: Ver más en la exposición en ARoS