Svend Wiig Hansen bei ARoS: Gehen, Fallen, Stehen

Du betrittst Ebene 5 von ARoS und stößt als Erstes auf eine große Frauenskulptur. Sie sitzt mit gespreizten Beinen da und stützt ihre kräftigen Hände auf die Brust. Ihr Name ist Mutter Erde, und einst war sie so provokant, dass ein Bürgermeister von Aarhus sie im Fond eines Falck-Wagens wegfahren ließ.

Es war 1954. Sie stand auf dem Rathausplatz in Aarhus, und Bürgermeister Unmack Larsen mochte sie nicht. Am nächsten Tag berichteten alle dänischen Zeitungen auf ihrer Titelseite darüber, und Svend Wiig Hansen war plötzlich eine Künstlerin, die jeder kannte.

Nun sitzt sie hier und begrüßt Sie als erstes Werk in „Gehen, Fallen, Stehen“ von Svend Wiig Hansen. Eine große Sonderausstellung im ARoS, die 50 Jahre Schaffen eines der bedeutendsten dänischen Nachkriegskünstler vereint. Sie verstehen die Empörung nicht ganz, wenn Sie vor ihr stehen. Sie wirkt fast fürsorglich. Wie eine Frau, die die ganze Welt in sich trägt. Es ist die erste von vielen Erfahrungen, die Sie beim Rundgang durch die Ausstellung machen werden.

Die Geschichte der Söhne über ihren Vater

Die Ausstellung ist nicht chronologisch, sondern in Kapitel unterteilt: Skandal und Erfolg, Der Mensch zuerst, Schöpferischer Drang und Licht und Schatten. Beim Gang zwischen den Werken erschließt sich die Struktur. Denn Wiig Hansens Werk bewegt sich nicht geradlinig. Es umkreist den Betrachter und kehrt immer wieder zu den gleichen Fragen nach dem Wesen des Menschseins zurück.

Seine beiden Söhne, Nicolaj und Christian, begleiten uns auf dem Presserundgang durch die Ausstellung. Dabei erzählen sie immer wieder kleine Anekdoten. Ihr Vater hatte keinen Assistenten und trug den gesamten Ton selbst in den dritten Stock. Er sang im Atelier, während er arbeitete, denn er liebte das Singen. Er besaß ein Sommerhaus bei Skagen an der Nordsee und liebte die Kälte und den Wind. Es ist ein Geschenk, sie dabei zu haben, denn sie machen ihren Vater zu einem Menschen und nicht nur zu einem Namen an der Wand.

Das kleine Zimmer mit der Schlacht, 1963

In einem der ersten Räume hängen drei Gemälde nebeneinander. Zwei davon sind von unzähligen Schichten dunkler Farbe bedeckt. Dick, schwer und beinahe skulptural. Es wirkt, als hätte Svend Wiig Hansen dasselbe Bild immer und immer wieder gemalt, bis sich die Gedanken wie schweres Sediment auf der Leinwand abgesetzt haben. Was darunter liegt, ist nicht zu erkennen. Es ist in den vielen Farbschichten verborgen.

Das dritte Gemälde ist anders. Es stammt von Kampen aus dem Jahr 1963. Es ist nicht in denselben dicken Farbschichten gemalt. Die Leinwand scheint an einigen Stellen durch, und die Figuren sind mit einer fast kindlichen Hand gezeichnet. Es erinnert an Kinderzeichnungen: breite Linien und leuchtende Farben. Hier ist alles klar erkennbar.
Dieser Kontrast hat etwas Nachhallendes. Zwei Gemälde, begraben unter den dunklen Schichten des Erwachsenenalters. Und eines, das uns daran erinnert, wie die Welt aussah, bevor wir den Glauben an ihre Unversehrtheit verloren.

Gemeinsam, aber allein

Viele seiner Werke sind düster, und das ist kein Zufall. Wiig Hansen malte nach dem Zweiten Weltkrieg und gehörte zu jener Generation, die miterlebt hatte, wozu Menschen fähig sind. Er malte Angst, Spaltung und Krieg. Doch seine Bilder sind nicht deprimierend, im Gegenteil, sie bergen eine gewisse Wahrhaftigkeit. Wir glauben, mit unserer Einsamkeit allein zu sein und dass nur wir so empfinden. Doch seine Gemälde sagen etwas anderes. Und Sie sind nicht allein.

Es gibt auch Werke, in denen Menschen zusammen sind. „Das Tor der Liebe“ ist eines davon. Dort berühren sich die Figuren körperlich. Das ist Wiig Hansens Liebessprache, und sie ist sehr körperlich. Wo andere Künstler Blicke und Sehnsucht malen würden, malt er Haut an Haut.

Eines der eindrücklichsten Werke in diesem Kontext ist Menneskerridts Gemälde von 1959. Rote Menschen stehen aufrecht und halten Fäden in den Händen. Andere, grün gekleidete Menschen kriechen auf allen Vieren oder liegen ausgestreckt am Boden. Die Fäden verlaufen zwischen ihnen wie die Fäden in einem Puppenspiel. Es ist weder Liebe noch Gemeinschaft. Es ist ein Bild von Dominanz und Unterwerfung.

Es ist ein seltsamer Kontrast zu den Liebesdarstellungen. Während sich die anderen Figuren in körperlichem Kontakt begegnen, sind diese Menschen wie an einer Leine geführt, wie ein Tier an der Leine. Es ist, als wolle er sagen, wir hätten uns von der Gemeinschaft zu etwas anderem entwickelt. Von der Gemeinschaft zum Kapitalismus.

18 Gesichter und du siehst dich selbst

Sie betreten den nächsten Raum, „Mensch zuerst“, und stehen vor 18 Porträts. 18 Gesichter nebeneinander. Alle in derselben Zeit gemalt. Farbenfroh, ausdrucksstark und jedes mit seinem eigenen Ausdruck.

Man denkt: Worin unterscheiden sie sich? Hier sind 18 Individuen. Doch dann, nach einem kurzen Moment, erkennt man: Sind sie überhaupt unterschiedlich? Man sieht dieselbe Person und man sieht sich selbst.

Wir sind überzeugt, dass wir alle einzigartig sind, jeder einzelne von uns. Aber sind wir nicht im Grunde gleich? Was uns einsam macht, ist vielleicht genau dieser Glaube. Der Glaube, dass niemand verstehen kann, was in uns vorgeht. Dass unsere Erfahrungen so besonders sind, dass man sie nicht teilen kann. Doch hier hängen 18 Gesichter, und sie alle sind wir. Tief im Inneren sind wir alle gleich.

Hier spürst du auch, wie die Werke dich widerspiegeln. Befindest du dich in einer dunklen Phase deines Lebens, siehst du das Dystopische. Du siehst die Dämonen, die Angst, die existenzielle Einsamkeit. Befindest du dich in einer positiven Phase, siehst du die Lebenskraft. Du siehst die Energie, und davon gibt es reichlich. Es ist dieselbe Wand. Du selbst bewegst dich.

Kreativer Drang

Man macht weiter, und dann eröffnen sich einem ganz neue Möglichkeiten.

Du stehst in einem großen Raum, in dem alles versammelt ist. Der Raum heißt Skabertrang, und genau das triffst du dort: Jemand, der nicht stillstehen kann.
An einer Wand hängt „Wandern ohne Ziel“ von 1978. Ein Gemälde auf Öl und Holz, das die gesamte Wand ausfüllt. Figuren wandern in einer endlosen Reihe, Körper an Körper. Einige stehen im Vordergrund, andere im Hintergrund, doch keiner von ihnen sucht Blickkontakt. Sie blicken aneinander vorbei, als wären sie in ihrer eigenen Dimension.

An einer anderen Wand sind die Vorbereitungen für die Glasmosaiken in der Kastrup-Kirche zu sehen. Große, nackte menschliche Figuren in blauen und rotbraunen Linien, auf Plastik gemalt, sind wie Fenster angeordnet.

Hier finden Sie auch eine Gipsversion von „Das Tor der Liebe“ aus dem Jahr 1987, Wiig Hansens Relief für das Royal Theatre.

Und dann sind da noch die 5 gesichtslosen Schaufensterpuppen, die die Kostüme aus Troilus und Cressida am Königlichen Dänischen Theater von 1968 tragen. Es ist Shakespeare, es ist Wiig Hansen, und es ist ein Künstler, der auch einen Menschen in diesen Kleidern zeichnen könnte.

An einer dritten Wand hängen 45 Zeichnungen, die in Holzrahmen dicht an der Wand angebracht sind.

ARoS hat sich für eine offene Architektur entschieden, sodass jedes einzelne Werk ausreichend Raum erhält. Sie stehen für sich und gehören doch zusammen. Große Eindrücke brauchen große Räume. Dieser Raum lässt sich schwer in Worte fassen. Man muss ihn selbst erleben.

Wenn man in diesem Raum steht, beginnt man das Muster zu erkennen. Wiig Hansens Kunstwerke sind voller Menschen, doch die Menschen sind allein. Selbst wenn mehrere von ihnen in einem Bild zu sehen sind, blicken sie aneinander vorbei.

Ein Multi-Künstler

Ich habe größten Respekt vor Künstlern, die sich mit ganzem Herzen einer Sache widmen. Wiig Hansen war Bildhauer und Maler. Er war Zeichner und Grafiker und schuf Filme und Bühnenbilder. Zehn Jahre lang arbeitete er an den Glasfenstern der Kirche in Kastrup. 1987 entwarf er das „Tor der Liebe“, das bis heute den Personaleingang des Königlichen Dänischen Theaters bildet. Einmal beschloss er während der Osterferien, tausend Zeichnungen anzufertigen. Er schaffte 500, bevor sein Körper ihm signalisierte, dass er nicht mehr weitermachen konnte.

Menschen überall

Die Geschichte der Kastrup-Kirche hat mich tief berührt. Wiig Hansen verbrachte zehn Jahre damit, die gesamte Kirche auszugestalten: Altarbild, Glasmosaike, Wände und Decke. Und nirgends ist Jesus am Kreuz zu sehen. Überall sieht man ganz normale Menschen.

Er glaubte, dass sie das Herzstück der Kirche waren. Sie waren es, die einen Ort brauchten, von dem aus sie hinausblicken konnten. Wie die Frauen der Fischer, die aufs Meer hinausschauten und auf die Heimkehr ihrer Männer warteten. In dieser Ausstellung kann man die Vorbereitungen für die Buntglasfenster sehen. Es ist wunderschön und einzigartig und erzählt von einem Künstler, der bei allem, was er tat, an die Menschen dachte.

Die Selbstporträts, die er zu machen wagte

Die Ausstellung endet mit den Selbstporträts. Sie hängen an einer roten Wand: 16 kleine Schwarz-Weiß-Fotografien, alle sein eigenes Gesicht. Es ist „Das unerträgliche Porträt“ aus den Jahren 1972 bis 1976, eine Serie von Linolschnitten auf Papier. Manche Gesichter wirken grotesk, manche verzerrt, manche einfach nur müde. Er schuf sein ganzes Leben lang Selbstporträts, und dieser Raum zeigt, wie weit er bereit war zu gehen.

Genau darum geht es. Würden wir ein Selbstporträt machen, wollten wir uns von unserer besten Seite zeigen. Wir würden einen vorteilhaften Winkel wählen, die Haare hochstecken und ein wenig lächeln. Wiig Hansen macht das Gegenteil. Er schneidet das, was wir verbergen wollen, ins Linoleum: Angst, Aggression, Zweifel und Traurigkeit. Wofür wir als Menschen nicht die Verantwortung übernehmen wollen. Was wir verleugnen.

Er druckt es auf Papier und hängt es auf, sodass wir gezwungen sind, hinzusehen. Die Gesellschaft konnte damals nicht darüber sprechen. Man sprach nicht über Ängste, Verletzlichkeit und Probleme. Heute öffnen wir uns dem langsam mehr. Und genau deshalb sind seine Werke relevanter denn je.

Er wagte es, es auszusprechen, bevor wir anderen überhaupt die Worte dafür hatten. Und dann gibt es noch ein Angebot für alle Gäste: Neben den Porträts steht ein Tisch mit Stiften und einem Spiegel, damit Sie Ihr eigenes Selbstporträt anfertigen können. Sie können es an die Wand hängen oder mit nach Hause nehmen.

Nachdem Sie vor seinen 16 Gesichtern gestanden haben, auf denen er gezeigt hat, was er nicht verbarg, haben Sie nun die Gelegenheit, dasselbe zu tun. Wie sehen Sie sich selbst? Nicht die geschönte Version, sondern die ehrliche.

Die Natur liegt allem zugrunde.

Obwohl die Ausstellung die Menschen in den Mittelpunkt stellt, ist die Natur ihr zentrales Element. Die Söhne erzählen vom Sommerhaus in Skagen und von Råbjerg Mile, vom Wind und Regen und der rauen Landschaft an der Nordsee, die ihn auch im Atelier begleitete. Hat man sie einmal gesehen, lässt sie einen nicht mehr los.

Die Werke strahlen eine gewisse Witterungsverbranntheit aus. Etwas Windiges, geprägt von Sand, Sturm und rauer Küste. Die Menschen in seinen Gemälden streiten nicht nur untereinander, sondern auch mit den Naturgewalten.

Und dann ist da noch der Humor.

Wiig Hansen hatte Humor. Er war der Entertainer der Truppe. Er konnte skurrile Dinge tun und die Leute zum Lachen bringen. Gleichzeitig war er schüchtern und nervös und kämpfte mit seinen inneren Dämonen, aber das tat dem Spaß keinen Abbruch. Er war beides zugleich.

Halten Sie vor Ort Ausschau nach dem Humor in den Werken. In einer leicht schiefen Gestalt. In einem Gesichtsausdruck, der eher skurril als grimmig wirkt. Es liegt nicht nur in der Dunkelheit, die ihn umgibt. Es liegt auch nicht nur im Licht. Es liegt in seiner ganzen Persönlichkeit.

Børge Mogensen in den Sitzmöbeln

Rund um die Ausstellung stehen Børge Mogensens J39-Stühle. Mogensen und Wiig Hansen waren befreundet. Sie gehörten in den 50er- und 60er-Jahren demselben kreativen Netzwerk an, in dem sich Möbeldesigner und Künstler berufsübergreifend trafen. Möbelhersteller verkauften Kunst in ihren Geschäften, und Künstler fertigten Möbelgestelle an.
Es sind diese Art von Überschneidungen, die eine Ausstellung bereichern. Man sitzt auf einem Folk Chair und betrachtet ein großes Gemälde, und es fühlt sich an, als ob beides zusammengehört.

Wenn Sie von dort weggehen

Ich verließ die Ausstellung mit dem Wunsch, wiederzukommen. Das ist vielleicht das Beste, was eine Ausstellung bewirken kann. Ich ging mit Bildern auf der Netzhaut, die mich nicht mehr losließen: Eine Gestalt, die ziellos über eine blaue Wand wanderte. Eine rote Figur, die aufrecht stand, und eine grüne, die lag, und ein Faden, der sie verband.

Und ich ging mit dem Gefühl, gerade eine Stunde mit einem Menschen verbracht zu haben, den ich nie zuvor getroffen hatte. Einem Menschen, der 1997 verstorben war, der mir aber im Jahr 2026 immer noch etwas zu sagen hatte.

Praktische Informationen

• Ausstellung: Svend Wiig Hansen, Gehen, Fallen, Stehen
• Wo: ARoS Aarhus Kunstmuseum, Ebene 5
• Zeitraum: 23. Mai 2026 bis 30. August 2026
• Preis: Kostenlos mit Jahreskarte, ansonsten gegen Eintrittsgebühr.
• Kuratorin: Jannie Haagemann
• ARoS: Mehr dazu unter die Ausstellung bei ARoS